James Welling,
Untitled, 1981
James Welling,
Jack Goldstein's Studio, 1977
Ike Yard,
Cherish, Recorded at Sorcerer Sound, NYC, April 1981. From Night after Night EP, Disques Du Crepuscule, TWI039 (track 4: session out-take)
Exposition,
The Pictures Generation, The Metropolitan Museum of Art, New York
Collins & Milazzo,
Civilization and the Landscape of Discontent, 1984
[Cette exposition eut lieu à la Galerie Nature Morte à New York en mars 1984. Elle comprenait les artistes suivants : Stephen Aljian, Ross Bleckner, Stephan Gantenbein, Mark Innerst, Peter Nadin, Louis Renzoni, Susan Beschta-Springfield, James Welling et Michael Zwack.]
Les travaux présentés dans cette exposition fonctionnent comme des paysages théoriques reliant la partie la plus cachée de notre psyché (la Psyché Sous-tendue) à la partie la plus visible de la Nature (l’Espace).
Il s’agit de travaux qui sont avant tout expressifs dans leurs principes ordonnateurs, plutôt qu’expressionnistes et fondés sur l’ego, dans la mesure où le Concept est impliqué dans une instrumentalité disparate pouvant passer sans complexe du retour du référent (contenu réprimé) au Nouveau Contenu du méta-Spectacle.
Les images sont intimes, solennelle dans leur facticité, même lorsqu’elles paraissent hyper-extériorisées ; même lorsqu’un travail se présente dans son ensemble comme une construction sociale, les images restent, toutefois, pour la plupart, non partagées.
Certaines toiles, en particulier, ont un caractère régressif dans leurs négations dépourvues de violence (trompeuses), le travail ne représentant que des choses situées à une certaine distance de nous. Mais, au lieu de devenir une formule esthétique, la distance « devient claire », pour ainsi dire, tout en fonctionnant comme une espèce de piège explicite (spécifique au lieu), qui est l’essence de toute éthique transformationnelle. Dans d’autres travaux, la distance est « océanique », statique et atmosphérique dans son aspect, et les déplacements historiques transportent la vie existentielle dans les distances irrésolues de l’essence même.
En dernière analyse, les tableaux donnent, dans certains cas, une double satisfaction, en ce sens qu’elles décrivent une régression intense, volontaire et presque exubérante de l’esprit sophistiqué et corrompu (Raison) dans la mémoire sans compromis d’un Nouvel Ordre Moral. Dans d’autres travaux, en revanche, c’est l’éthique de la négation structurelle conjuguée avec l’histoire morose de la Beauté et le rationalisme hystérique de la conscience critique, qui intègre la Promesse humaine, sans nier, toutefois, l’échec implicite dans l’Histoire entendue comme Spectacle absolu.
La temporalité nébuleuse et la structure expressive du travail en général, les motifs abstraits faits de lumière et de couleur et le pouvoir incertain des Objets du Monde qui gouvernent l’Espace, se résolvent, finalement, dans le gris éclat et dans le glissement subliminal d’un impératif latent.
Bien qe tous les travaux participent à la fois de l’aspect critique et du caractère gratifiant des images, aucun d’entre eux ne confère une spécificité politique au images. Ici, la sensation est le point culminant de la théorie. Dans cette perspective, l’exposition se résout en une description inquiétante du sublime institutionnel.
Tricia Collins et Richard Milazzo sont des critiques et curators américains. Entre 1982 et 1984, ils mènent la revue Effects : Magazine for New Art Theory (3 numéros) puis organisent, essentiellement à New York, une série d’expositions emblématiques d’une manière de ce qu’ils nomment la « non-critique » : Civilization and the Landscape of Discontent (Nature Morte, NYC, 1984), Still Life with Transaction : Former Objects, New Moral Arrangements, and the History of Surfaces (International with Monument, alors co-dirigée par Meyer Vaisman, qui réalise également pour eux le design de cartons d’invitations et de catalogues), Natural Genre (Florida State University Gallery / Galerie Jurka, Amsterdam), The New Capital (White Columns, NYC, 1985), Final Love (Cash / Newhouse, 1985), Paravision (Post Masters Gallery, 1985). Ces projets prolongent leur activité d’écriture et d’édition et mettent en lumière par les moyens de l’exposition de groupe les enjeux portés par les travaux d’artistes du début des années 1980 alors associés à une nouvelle forme d’art conceptuel, appropriationniste, marquant ce qu’ils nommèrent « la transition de la fin de la spontanéité à la fin de l’ironie ». Chaque exposition était accompagnée d’une déclaration théorique, dont ce texte est issu.
